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Voici les principaux points de mise en scène que j’ai établi avec soin, tout au long de mon expérience et des nombreux ouvrages, leçons, appris au fil du temps. Ceci est un recueil personnel.

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• 1. Savoir ce que le spectateur va se poser comme questions en fonction des choix effectués, ce qui en découle. Permet de se rendre compte de ses erreurs, de trouver d’autres ingéniosités. Comprendre le spectateur pour connaitre ses questions, son ressenti, pour y répondre ou au contraire le frustrer.

• 2. Dans un seul film, il y en a 3 : le scénario, le tournage et le montage. Ce sont trois films différents qui se jouent. « L’écriture est quelque chose. Le jouer en est une autre. Le filmer, le monter, une nouvelle forme de chose ! » Chaque partie du workflow doit être haute d’elle-même, mais doit obligatoirement être modulable.

• 3. Même si le récit est fictionnel, il ne faut pas oublier la vraisemblance, bien que la réalité dépasse souvent la fiction (et non le contraire comme on pourrait le penser). Dans le sens où, la complexité de l’Homme est généralement mal retranscrit au cinéma (stéréotypes absurdes). Une chose importante : le dialogue ne signifie pas forcément le même message que ce que montre l’image. On exprime que rarement nos pensées les plus profondes, mais des fois, elles se lisent sur nos visages.

• 4. Toujours remplir la tapisserie disait Hitchcock. La mise en scène ne s’applique pas seulement sur le seul personnage principal de la scène. Même si l’on pense que le public ne s’en souviendra pas, ou ne le verra même pas, il faut le faire. C’est le gage d’un bon film.

• 5. Il est indispensable de séparer nettement les éléments de dialogue et les éléments visuels ; et, à chaque fois qu’il est possible, d’accorder la préférence au visuel.

• 6. Les séquences ne doivent jamais se piétiner, mais toujours aller dans le sens de l’intrigue. Chaque séquence doit être utile. Tout ce qui est inutile nuit au film.

• 7. Un principe important qui a fait ses preuves : montrer du plus loin au plus près, du plus grand au plus petit (l’inverse est possible). Que cela soit au tournage et/ou au montage.

• 8. Une masse d’idées ne suffit pas à composer un film réussi. Il faut que ces idées soient représentées avec beaucoup de soin, en totale osmose avec la forme.

• 9. Les objets en mise en scène peuvent être d’une grande utilité dans l’intrigue, mais aussi dans l’émotion qu’éprouve le spectateur. Ils peuvent caractériser la profondeur des personnages et également le propos. Il ne faut pas en utiliser beaucoup, mais se restreindre à un ou deux objets.

• 10. La force du montage : deux plans dés-associés à la base, peuvent créer un autre sens une fois assemblés. L’exemple le plus connu est un gros plan d’un homme suivit d’un bébé mort. On peut lire la compassion sur le visage de l’homme. On remplace le bébé par une assiette de nourriture, alors le spectateur lira de l’appétit sur le personnage.

• 11. Être proche de ses acteurs, pour une confiance mutuelle. Il faut les connaître, pour qu’ils puissent se livrer. Les répétitions sont très importantes pour que le son émis soit juste. Il est en effet important d’avoir une bonne oreille. Mais attention, les répétitions peuvent aussi avoir l’effet inverse. Garder la première prise, des fois, peut s’avérer judicieux, car elle est plus vraisemblable : l’acteur ne s’attend pas, comme dans la vie.

• 12. Choisir la taille des images en fonctions des buts dramatiques, de l’émotion. Il ne faut pas simplement montrer le décor, mais garder en réserve des plans pour des buts précis.